CRITICA DE DISCO: PARA TODOS LOS PÚBLICOS (EXTREMODURO)

Texto: Félix Cárdenas / Ismael Lazo

Lo han vuelto a hacer: Extremoduro le dan una nueva vuelta de tuerca a su sonido en Para Todos Los Públicos, completando junto a La Ley Innata (2008) y Material Defectuoso (2011) una magnífica trilogía en la que se han ido superando y renovando a cada disco. Es la banda extremeña un grupo atípico, que ha demostrado a lo largo de su trayectoria mantenerse al margen de las modas, las críticas o la opinión de sus propios fans, manteniéndose siempre en lo más alto del panorama español, incluso negándose en ocasiones a realizar giras, videoclips, ruedas de prensa o promoción alguna de sus propios discos. Una rara avis en el rock estatal, que podía haberse apalancado, como tantas otras bandas de rock, en la seguridad de tener un estilo asentado en el éxito y una legión de fieles seguidores, y en cambio, arriesga y apuesta en cada nueva entrega, lo cual merece nuestro aplauso de antemano.

Después de Yo, Minoría Absoluta, Roberto Iniesta (Plasencia, 1962) sufre una sequía compositiva que le mantiene 6 años sin sacar nuevo material, hasta que empieza a escribir las canciones que formarían La Ley Innata. Esta sequía marca un antes y un después en la forma de componer de la banda y por consiguiente en la relación con su público: por un lado ganan un gran número de seguidores nuevos y por otro pierden a los más puristas, que reniegan de los nuevos derroteros musicales tomados por el grupo. Pues bien, Para Todos Los Públicos es justamente eso: un disco que podrán disfrutar tanto los seguidores más conservadores como los nuevos afiliados, ya que en el álbum rescatan sonidos de toda su discografía además de seguir aportando nuevos matices.

Locura transitoria : nos encontramos con un Robe Iniesta susurrante y melancólico que nos deja ya pinceladas de su característica lírica, capaz de hacer poesía con palabras irreverentes :

Ahora que ya no entiendo nada

Y no me funciona un hemisferio

quiero saber si entre tus bragas 

está la clave del misterio

Se van alternando voces susurradas con voces desgarradas, partes melódicas con caña, La Ley Innata con Iros Todos A Tomar Por Culo. Guitarras memorables de Iñaki Antón "Uoho" y coqueteos con los ritmos latinos en una overtura que alcanza los 8 minutos 10 prácticamente sin darte cuenta.

Entre Interiores: arrastrado corte de tono bluesero donde Iniesta va trenzando versos con un sentimiento que pone los vellos de punta. La banda se mantiene a la altura, destacando el órgano, y la batería de José Ignacio Cantero. 

Que borde era mi valle!: riffs Led Zeppelianos, destellos funk y un Robe Iniesta desgañitándose, uno de los mejores y más contundentes temas del disco y uno de los que aportan nuevas sonoridades.

Poema Sobrecogido: Un comienzo metalero deja paso a unas armonías árabes que recuerdan a los mejores momentos del rock andaluz (Triana, Medina Azahara). Con una voz aflamencada, es la Coda Flamenca de Para Todos Los Públicos.

Manué IV: un guiño a los seguidores de la banda de toda la vida, el personaje de Manué aparece ya en varios discos anteriores de Extremoduro. Manué IV da paso a la segunda parte del álbum.

Mama: El punto álgido del disco, comienza con otra dosis de la genial poesía de Robe Iniesta, en su línea irreverente:

Se sentó, las patas en alto y el chichi asomando pidiéndome amor.

Se cansó y el chichi lloraba mientras lo encerraba diciéndome adiós

El espirítu de Para Todos Los Públicos se resume en este tema. Extremoduro suenan aquí nuevos y frescos, una locomotora funk, pero a la vez resuenan ecos de So Payaso, La Vereda De La Puerta De Atrás o A Fuego. Todo el grupo brilla en Mama, gran línea de bajo de Miguel Colino, una batería (José Ignacio Cantero) que es una apisonadora y unas guitarras sublimes de Iñaki Antón "Uoho", que hace hasta el grito de Tarzán (5:05).

Mi Voluntad: punk rock rápido y contundente, una voz melódica en las estrofas que explota en el estribillo junto al doble bombo. En directo puede ser un cañón.

Pequeño Rock And Roll Endémico: alegre blues rock acompañando a una letra resentida. La guitarra de Iñaki Antón "Uoho" nos recuerda a Brian May, de Queen.

El Camino De Las Utopías: antes llamada El Pájaro Azul, ya la mostraron en la gira de Material Defectuoso. Una sentida letra de Robe y unas guitarras que vuelven a recordar a Queen en un medio tiempo que sirve de cierre al disco.

CRÓNICA DE CONCIERTO: ANTONIO LIZANA

Texto: Félix Cárdenas
Fotos: Tomoyuki Hotta

Unas 30 personas presenciaban en La Gramola el concierto del pasado Viernes 13 de Antonio Lizana, joven músico gaditano bebedor de las fuentes del flamenco y el jazz. El respetable guardaba el respetuoso silencio que sólo los grandes saben ganarse, mientras la banda iba desgranando una a una las canciones de De Viento, disco debut de Lizana, en formación de a cuatro: Antonio Lizana (voz, saxo alto), Pepe Marchante (guitarra), Tana Santana (bajo) y Thomas Vincent (batería). A destacar la espectacular guitarra de Pepe Marchante, que se salió durante el concierto a pesar de llevar escasamente una semana en la formación. Es Antonio Lizana una de las propuestas más originales del panorama nacional, arte gitano en la voz, y el feeling de Nueva Orleans en las notas de su saxo. Si la lógica impera, debería estar pisando en los próximos años los mejores escenarios del país. Y lo que se le ponga por delante.

ENTREVISTA : KILL KILL!

Texto: Félix Cárdenas

Fotos: Jorge Del Águila.

El pasado 23 de Noviembre se celebró en la sala La Gramola la fiesta Noise Spectrum, que nos trajo al grupo de Sevilla La Suite Bizarre y los algecireños Kill Kill!, con los cuales tuvimos ocasión de cruzar unas palabras.

Kill Kill! es un dúo formado en Algeciras en el año 2005 por Andrés Trujillo "Whatever" (bajo, moog, voces) y Floreal Pecino "Flo" (batería, voces), los que siguen siendo los actuales componentes.

Su estilo, poco convencional, podría definirse como punk/pop con influencias del noise de los 90.

Tienen dos Eps editados, Movimiento por la extinción humana voluntaria (2007) y La Máquina De Sentimientos (2012), varias demos y miles de kilómetros a sus espaldas. Han recorrido gran parte del territorio nacional y este mismo año se embarcaron en una extensa gira europea con la que han visitado ciudades como Nantes, Lille, París, Norwich o Dunderke, compartiendo cartel con los americanos Caddywhompus.

 Cabe decir también que Whatever es el creador del ecléctico sello discográfico The Bloody Dirty Sanchez, donde se han editado a grupos como Mind!, Unicornibot, The Happiness Project, Commonplaces, MundoZero o los mismos Kill Kill!, y es el impulsor de iniciativas de apoyo a bandas emergentes y de pequeños festivales como el Takeshi Jitano o el aniversario del sello, que se celebrará el día 27 de Diciembre en la Farándula con cinco bandas más del entorno andaluz.

Actualmente, y pese a la distancia que los separa (Whatever vive en Algeciras y Flo en Barcelona), se encuentran inmersos en su próximo trabajo, el que será su primer larga duración y en un disco compartido con los antes mencionados Caddywhompus.

El de esta noche va a ser vuestro primer concierto después de una gira europea que os ha llevado a importantes ciudades como París o Nantes. ¿Cómo os ha ido?

What: La experiencia ha sido a veces dura y a veces de puta madre, supongo que como todas las giras de grupos que están en el underground.

Flo: Nos lo hemos pasado muy bien. Giramos con los Caddywhompus, que son buena gente y eso es una suerte. En resumen, es lo mismo que aquí pero en distintos lugares de Europa. Hay personajes que se dedican a la música underground y están todos conectados gracias a Internet y a su pasión por la música. Da igual donde estés: Siempre hay gente que organiza bolos y te abre las puertas de su casa. Maravilloso.

La Máquina De Sentimientos, vuestro último disco, ¿qué tiene de nuevo con respecto a lo anterior? ¿Cuál ha sido la evolución de Kill Kill!?

What: Pues ha habido evolución en cuanto a sonido, aunque el rollo en sí sigue siendo el mismo: bajo, batería, moog, voces, sacar temas que nos gustan y el cachondeo. Realmente lo que te mueve al final es echarte a la calle con tu colega de toda la vida. En cuanto al nombre, no tiene un significado profundo, la máquina de sentimientos es una máquina de verdad que tengo en mi casa y nos acompaña en las giras. Le das a un botón y suenan aplausos y risas, así que cuando estamos en la furgoneta y llevamos un tiempo callados, Flo me dice ¡expresa tus sentimientos! Y entonces yo hago sonar la máquina (risas).

¿De qué modo puede una banda beneficiarse de Internet?

What: Es básico. Las bandas necesitan salir en los medios. Internet, al igual que la radio o la televisión, o cualquier medio, es importante para publicitar a una banda.

Flo: Internet es nuestro local de ensayo ahora mismo. Andrés graba las líneas de bajo y me las manda, yo grabo las voces y se las vuelvo a enviar. Sin Internet no podríamos ir a tocar, así que ahora mismo lo es todo.

Estamos en un momento donde parece que más que nunca hay que echarle imaginación al asunto para captar la atención de la gente. ¿Qué ofrece Kill Kill a su público?

What: Ofrecemos canciones en un formato bonito, este último disco y el anterior están editados en vinilo.

Flo: Yo creo que por fetiche, y sobre todo por que no puedes engañar a la gente, no puedes vender un cd.

Nos gusta el vinilo, así que nos hemos marcado el pegote y gracias a algunos favores, hemos conseguido nuestro diez pulgadas. Pienso que si vas a vender lo que sea, tiene que ser algo de lo que te sientas orgulloso. Nuestra música la regalamos, está todo gratis en Internet. Cada disco de Kill Kill! es una obra, y en el último hemos contado con la colaboración de varios amigos nuestros artistas. Kill Kill! es un concepto: Obras de arte, cachondeo, chistes malos... y la máquina de sentimientos.

¿Creéis que en la música está todo inventado o, por el contrario, aún quedan caminos por transitar?

What: Pues no lo sé. ¿Y si decimos que está todo inventado y ahora llega alguien y lo revoluciona todo?

 Yo pienso eso, al ser humano no hay que subestimarlo, sólo hay que extinguirlo (risas). Todos los años salen discos muy buenos, aparte de lo antiguo. Hace un rato lo comentábamos en una conversación, creíamos que el primer grupo punk eran chilenos, y ahora resulta que nos enteramos de que eran unos negros que grababan en la Motown y no sé que historia. Quizás mañana llegue alguien y nos diga que fueron unos rusos que ya lo hacían en los años 30 en casa de la abuela. Quien sabe si ya está todo inventado y ahora llega alguien y lo reinventa, hay que tener cuidado con esa clase de preguntas (risas).

¿Qué proyectos tenéis a la vista?

What: Pues yo digo Ep y Flo dice Lp.

Flo: A mí me gustaría que nos encerrásemos un año y sacásemos un largo. Estoy obsesionado con un doce pulgadas. Mi sueño es grabar diez temas nuevos y pegarnos un año entero de gira. Quiero estar en la furgoneta tó el día montao. Un disco te abre puertas, y con todo el esfuerzo que conlleva sacar cuatro temas, al final te lo piensas y dices: con un poco más tendríamos un largo y coño, ya tienes tu disco, que también hace ilusión.

A continuación os dejamos el último video promocional de Kill Kill, El Viaje De Negocios, y unos cuantos enlaces con más info sobre la banda.

http://www.thebloodydirtysanchez.com/

http://thebloodydirtysanchez.bandcamp.com/

http://vimeo.com/killkillband

ADIÓS, LOU REED

Por Félix Cárdenas
Cita: Fran Malamadre

 El pasado 27 de Octubre fallecía a los 71 años Lou Reed, referente indiscutible en la música rock como autor de algunas de las más grandes canciones del género. The Velvet Underground anunciaron el punk y el noise, provocaron el glam y sobre todo, se atrevieron a contar cosas sobre las que nadie antes se atrevió a hablar. En solitario, Lou Reed fué influencia de personajes de la talla de David Bowie o Yggy Pop . Nos dejó Sweet Jane, Perfect Day, Waiting For My Man, Heroin, Take A Walk On The Wild Side, Venus In Furs  y una infinidad de joyas sonoras.

Con motivo de este artículo, hablamos con nuestro amigo Fran, cantante y líder de Malamadre, banda que debe su nombre a uno de los últimos versos de Sweet Jane: 

And there´s always evil mothers / they´ll tell your life is full of dirt.

"Lou Reed es el tío que definitivamente más me ha influenciado a la hora de escribir. Lo conocí a través de  Carlitos Madrid, un primo mío, un tío muy rockero y tal que vino a pasar un verano cuando teníamos 16 años. Tenía una cinta grabada de la Velvet, uno de esos recopilatorios piratas, y recuerdo que aquí estabamos con la movida de Tequila. Aquello nos sonaba muy raro y muy puro, y  me gustó ese rollo garajero neoyorquino. Me fuí aficionando y empecé a buscar libros con letras traducidas, y fue entonces cuando empecé a flipar, cuando averigué de qué hablaban las canciones. A partir de ahí lo he seguido siempre, con todos sus altibajos. La primera época es cojonuda, parafraseando a Les Luthiers, qué se puede decir del Transformer que no se haya dicho ya...y aún me gusta más el segundo, Berlín, que puede ser el disco más triste de la historia. Cuando estoy de bajón, me pongo el Berlín a toda hostia, y es tan sumamente deprimente que una de dos, o te cortas las venas o te vienes arriba...(risas). Luego sacó discos  muy malos, como el Mistrial, 45 minutos de tedio horrible, y una serie de discos que pasaron sin pena ni gloria, hasta que saca el Blue Mask, un álbum muy a tener en cuenta, es ahí donde se empieza a ver al Lou Reed adulto, renegando de las drogas. Después de eso desaparece un tiempo hasta que vuelve con el Nueva York, una auténtica joya. También muy operístico, todas las canciones van muy a saco con la política americana o con el manejo gratuito de armas. Se mete en la poesía más reivindicativa. Magic and Loss, Songs for Drella, disco dedicado a Andy Warhol, o el Set The Twiligh Reeling son discos realmente brutales.

De esta época destacaría el tema Sex With Your Parents".

"La Velvet salió en una época donde la mayoría de la música americana era muy happy, muy de estribillo, como yo digo, y estos tíos eran muy distintos. No me cabe en la cabeza que sin ellos hubieran aparecido después grupos como los Pixies, los Sex Pistols o los Strokes. Y lo mismo ocurre con el glam y sus primeros discos en solitario. Sinceramente, pienso que sin Lou Reed, todo hubiera sido de otra forma".

UNA CONVERSACIÓN CON LOS SABINEROS

Texto: Ismael Lazo
Fotos: Jorge Del Águila

Los Sabineros es un dúo musical  que ofrece unas exactas interpretaciones de las canciones de Joaquín Sabina. Considerados como el mejor tributo actual al trovador de Úbeda, tocan sus grandes éxitos en un show único para disfrutar, sumamente animado y entretenido. Sus integrantes son "El Flaco” Rodríguez, con un extraordinario parecido en la voz a Joaquín, y el argentino Mario Ojeda a la guitarra y los coros. Llevan tres años recorriendo la geografía española con éste homenaje, avalados por los mismísimos Pancho Varona y Antonio García de Diego, habituales colaboradores y co-autores de muchas de las canciones de Sabina.

¿ Donde y cómo surgió el grupo?

Flaco Rodriguez:  En un bar!!! Como siempre,es en los bares donde surjen los mejores negocios.

Mario Ojeda: En Granada suelen ocurrir este tipo de cosas, yo era camarero, y  siempre venían los borrachos a la hora que tenia que cerrar, eso pasaba prácticamente día a día. Entonces un día lo escuche cantar, (al flaco) yo estaba fregando y pensaba: cuando se van a ir estos, que coñazo!! Y no sé por que, lo digo humildemente, olfateé el dinero, (Risas) y esto es lo que importa. Realmente no fue así, El Flaco cantaba con otro chico, me invitaron a cantar con ellos, y al final quedamos los dos, y la verdad que encontramos la química ,básicamente él hace lo que quiere y yo lo soporto. ( El Flaco resuena por detrás con un bueeeenooo!!!)

¿Y por qué Sabina? Os gustaba a los dos o simplemente por la voz de El Flaco?

Flaco Rodriguez: por la voz, por que yo siempre canto así, todo todo. La gente cree que yo imito a Joaquin Sabina, pero es que yo canto así,

Mario Ojeda: Hoy en el concierto lo vas a ver, como ha ido evolucionando de la primera vez que vinimos. Hacemos un show absolutamente variado y divertido, que es la idea principal. A ver, si  canta el Arroz Con Leche o Cumpleaños Feliz, lo canta como Sabina, por que no está imitando, es la diferencia. Estamos haciendo una media de dos a tres conciertos y si él estuviese imitando no duraría dos conciertos, él canta así.

Flaco Rodriguez: Yo es que canto así, y por eso esto salio así. La gente me dice: "esta canción no sabía cual era" y entonces les digo que esa canción no es de Sabina si no mía, y así salió hasta el día de hoy.

Tenéis giras bastantes largas, ¿Algeciras se ha convertido en un cita fija ?

Flaco Rodriguez: Se ha convertido en nuestra en casa, y no sólo Algeciras, si no toda la provincia. Hemos estado en Jerez y todos los años intentamos realizar cuantos más conciertos, mejor.

¿Seria posible elegir una canción de Sabina?

Flaco Rodriguez: No, por mí es imposible, de verdad. Me lo dice mucha gente, pero tiene tantas y a mi me gustan tantas que sería imposible escoger una. Aparte, tiene tantas en tantos momentos,...es como tu dices, en cada etapa el cabrón supo sacar una. La canción de Sabina que hay que elegir es la que cada uno sienta en ese momento.

Mario Ojeda: Si realmente hay algún secreto de Los Sabineros, es que empezó siendo un tributo a Sabina y justamente le hemos dado nuestra personalidad. No es un tributo al uso, a pesar de que cantamos canciones de Sabina, lo hacemos como queremos nosotros. Le damos nuestros propios arreglos, nuestra propia tonalidad,además hemos agregado un montón de cosas, por que funciona muy bien el tema de la comicidad. Nosotros siempre decimos que más que un concierto o un tributo al uso es un espectáculo, como una performance, y que durante dos horas la gente se olvida de todo y vienen a pasárselo pipa con estos dos tios, además de cantar muchas de las canciones de Sabina que nos gustan y que Sabina ya no canta, por que ya no puede o por que esta aburrido de cantarlas

¿Conocéis a Sabina? ¿Sabe él de la existencia del grupo?

Flaco Rodriguez: No, no lo conocemos. Yo si he tocado con algunos de sus músicos, pero no lo conozco.

Mario Ojeda: El Flaco ha tocado con músicos  de Sabina como Pancho Varona, lo que pasa es que no se acuerda por que estaba un poco lastimado (Risas). Yo creo que es mejor no conocerlo, primero por que corres el riesgo de decepcionarlo y segundo por que como yo digo siempre, nosotros somos granaínos, (Flaco Rodríguez lo mira y dice: si si, tú eres muy granaíno) y los granaínos somos muy renegados, a ver:

él (El Flaco) es renegado por que es granaíno, y yo soy renegado por que soy del Chaco, y del Chaco del norte de Argentina. La gente del interior somos medio toscos para eso, (El Flaco Rodriguez dice tu pon cateto argentino) creo que es por eso lo de mejor no conocerlo.

Los Sabineros siguen actualmente de gira por toda España, síguelos a través de Facebook: https://www.facebook.com/cenicientadiscos?fref=ts

DESCUBRIENDO PALOSANTO, DE ENRIQUE BUNBURY

Texto: Ismael Lazo

Vuelve el Aragonés Errante con su 14º disco de estudio.

Y al mismo Enrique Bunbury le cuesta definir el nombre del disco:

‘’Sé que en muchas entrevistas me preguntarán por qué este álbum se llama Palosanto.

 Tendré que inventarme algo....: ¿Un modelo de ovni vintage de los años cincuenta?

¿La madera con la que se construyen las guitarras que utilizo o los bates de béisbol

con los que intento destrozar los cajones en los que me encasillaron?

 El álbum comienza con la canción Despierta, un claro ejemplo de que este disco hace referencia a los tiempos que en vivimos. La canción invita a una revolución que debe comenzar en uno mismo para luego expandirse a nivel social. El videoclip del primer single Despierta se rodó en Algeciras, ciudad de origen de su director, Alexis Morante.

 En Palosanto, Bunbury recupera la percusión que utilizara anteriormente en Pequeño (1999), esta vez con Quino Bejar, nuevo miembro de Los Santos Inocentes, banda de directo de Enrique.

Salvavidas y Prisioneros son canciones muy de Bunbury, en el sentido de que perfectamente encajarían en cualquiera de sus anteriores trabajos.

 Esta parte, quizás mas tranquila, refleja el estado en el que se encuentra el país y el mundo en general, como Habrá Una Guerra En Las Calles, con unos versos reveladores:  

"habrá una guerra en las calles / volverán a casa heridos y no te darás por vencido /

 hasta que el cambio sea la constante / habrá una guerra en las calles/"

                                     

 Hijo De Cortés nos devuelve a los sonidos potentes. Jorge Rebenaque tiene una gran importancia en este tema con sus teclados, sobre todo al principio de la canción, donde Bunbury cita a Pinochet y a Fujimori (no es la primera vez que habla de presidentes o dictadores, como cada uno/a quiera).El tema habla básicamente de la mala costumbre del pueblo de luchar entre sí en lugar de unirse para hacerle frente a sus opresores.

  Después de unas cuantas canciones activas y revolucionarias, nos encontramos con una parte más lenta:   Mar De Dudas recuerda al maravilloso sonido de Pequeño, pero con el toque peculiar de Los Santos Inocentes, como el genial solo de Rebenaque a los teclados para finalizar.

En esta segunda parte, que incluye Mar De Dudas, Nostalgias Imperiales, Plano Secuencia, Causalidades y Todo, podemos apreciar más el sonido latino de Licenciado Cantinas (2011).
En estos temas se sigue hablando de revolución, pero ya a un nivel más íntimo.

Enrique Bunbury hace hincapié en que la revolución debe de empezar en uno mismo. “Es un disco complejo. Yo quise hacer un disco conceptual, que reflejara lo que yo he visto en las sociedades en los últimos tres años, las necesidades de los pueblos de un cambio radical y en dirección opuesta a dónde va la humanidad”

El disco ya está a la venta en tres formatos: 

-Formato sencillo que incluye el CD ''Palosanto''
-Edición Deluxe en Digipack con 2 CD's ''Palosanto'' + ''Cualquier tiempo pasado... Live 2011-12'', que incluye 11 temas grabados en directo en distintas ciudades durante su última gira.
-Edición limitada en vinilo doble ''Palosanto'', que incluye 2 CD's, ''Palosanto'' + ''Cualquier tiempo pasado...Live 2011-12''. .

CRÓNICA DE CONCIERTO: LOS LABIOS (MONKEY WEEK)

Texto y fotos: Francisco Amores

 Este pasado fin de semana se volvió a dar cita por quinto año consecutivo en el Puerto de Santa María (Cádiz) uno de los festivales que mejor está creciendo y que nunca para de sorprender por la apuesta arriesgada a la vez que satisfactoria de la unión de bandas emergentes, proyectos paralelos y grandes consagrados de la música. Monkey Week nos ha ofrecido 156 actuaciones, algunas sorprendentes por su puesta en escena o propuesta musical, otras añoradas por el bagaje que llevan a cuestas algunos grupos, muchas aceptables y luego, lo que nos dieron Los Labios.

 Banda formada por, atentos  a las guitarras, Alvaro Suite (Bunbury, Pinball) y Charlie Cepeda (Entresuelos, Kiko Veneno), Riki Candela (La Mula, Los Sentíos) al bajo, Fernando Reina (Rarefolk) a la batería y Sammy, hijo del mítico Silvio, voz, frontman, showman y todo lo que le plazca sobre el escenario. Durante los 45 minutos que dura el formato showcase del festival esta banda, que seguro que no parará de rodar (de hecho ya van a cruzar el charco) pero afincada en Sevilla, y ante una sala a rebosar por la expectación suscitada desde que se sabía de su paso por el festival, dieron todo un espectáculo sobre el escenario, y es que con este nombre, Los Labios, no debemos ser demasiados astutos para saber por qué derroteros nos van a transportar, rock setentero, mucho Stones y por supuesto en esta semana, también nos engancharon con una dosis de Lou Reed y su tema “Vicius”.

 Ya antes, y a modo de presentación de su recién sacado Ep de título homónimo, pudimos escuchar “She don’t come anymore” y “Newsong Yesterday”, suficientes para una entrega total del público al igual que “Birthday”, título con el que abren su disco.

 Hubo tiempo entre tragos y tragos de leche de Sammy, para que éste abandonara el escenario durante unos minutos y dejara la voz cantante a Álvaro Suite para que cantara un tema mientras se cambiaba de camisa para lucir otra del señor Jagger y se sumergiera, viviera y sintiera, todo detrás de la platea, lo que sus compañeros tocaban para acabar el concierto por todo lo alto, bueno, mejor decir por todo lo bajo, arrastrándose en el suelo, pues como bien dicen ellos mismos “Sonamos como playboys, pero vivimos como ratas”.



Francisco Amores es el propietario del pub "Kiss" en Algeciras.

Para más información sobre Los Labios, hagan click en el enlace
https://www.facebook.com/LosLabiosOficial?fref=ts

CRÓNICA DE CONCIERTO: JOSÉ IGNACIO LAPIDO

 Texto: Félix Cárdenas

 Fotos: Tomoyuki Hotta

 Sala La Gramola. Son aproximadamente  las 12 de la noche y José Ignacio Lapido, acompañado de su banda habitual, se sube a las tablas para comenzar su concierto presentación del nuevo disco, Formas De Matar el Tiempo. Esa misma tarde habíamos tenido la oportunidad de presenciar las pruebas de sonido y, entre otras perlas, pudimos ver como se marcaban una versión de The Weight de los americanos The Band, cantada por el guitarrista Víctor Sánchez a la voz principal, mientras se sumaban a los oyentes varios de los músicos de la vieja guardia algecireña como Guachi (hijo), Chencho o El Caracol, que seguramente vivieron en sus carnes el esplendor de 091.

 Unas 60 personas, entre los que se mezclan seguidores de los extintos 091 con gente más joven cercana a  los 30, esperan a que dé comienzo el recital.

El maestro, como se le conoce en Granada, nos hace entrar en calor con la jazzy Nadie Supo Decirme La Verdad, del disco Cartografía, y comprobamos que la banda suena empastada, con Popi a la batería y Paco Solana al bajo, formando un sólido bloque. Después de la introducción, Lapido da las buenas noches al personal  y pasa a presentarnos el grueso del nuevo disco.

 Tras una introducción al teclado de Raúl Bernal, suena Un Día De Perros,  y suben los decibelios con La Ciudad Que Nunca Existió. Tras esto, llega uno de los momentos álgidos del concierto: Cosas Por Hacer. Lapido nos  recuerda que seguimos vivos en una de sus letras más sentidas y esperanzadoras. El solo de guitarra de Víctor Sánchez arranca aplausos en el público y la canción va mutando hasta recordar al Killing Moon de los Echo and The Bunnyment.

Se suceden 40 Días En El Desierto, Cuando Por Fin (con uno de los mejores estribillos de su carrera), el primer single Muy Lejos De Aquí y terminan el repaso al nuevo disco con No Hay Vuelta Atrás. Hasta aquí, con las canciones de FDMET, es donde la banda se nota más en forma y más familiarizada con los temas. A destacar:  los juegos de voces (aparte de la voz de Lapido, los otros cuatro músicos hacen coros) y los arreglos y el feeling imprimidos por la guitarra de un Víctor Sánchez que parece en estado de gracia.

 Es el momento de echar la vista atrás con Luz De Ciudades En Llamas y Nadie Besa Al Perdedor, quizás menos contundentes que en tiempos pretéritos. La gastada Gibson Sg de Lapido nos devuelve al  Cartografía con Cuando El Ángel Decida Volver, y a En Otro Tiempo, En Otro Lugar con una de las mejores canciones que jamás haya compuesto: La Antesala Del Dolor, con una letra verdaderamente incontestable:  

"La Venus Del Espejo conserva su pasado en un bote de pastillas/ colecciona eslabones de cadenas con las que ató su corazón/ navajeros y contrabandistas la amaron mucho antes que yo/ por eso sé que sus caricias son la antesala del dolor/…"

 Echamos un vistazo a sus dos últimos discos con la rápida Lo Creas o No y el primer guiño a 091 con Zapatos De Piel De Caimán. El Ángulo Muerto, Antes De Morir De Pena y La Hora De Los Lamentos. Se va acercando la recta final, y se despiden  entre aplausos con uno de los primeros clásicos de su discografía, El Dios De La Luz Eléctrica. Los presentes piden bises y los cinco músicos vuelven a salir para ofrecernos dos viejos éxitos de 091: Un Cielo Color Vino y Otros Como Yo, donde por momentos parece desbocarse la banda y algún que otro viejo rockero  que hasta ahora pasaba desapercibido.

Lapido nos ofreció en La Gramola casi dos horas de un serio directo, repasando básicamente su nuevo disco y lo más destacable de su discografía. Con una banda compacta y a la altura de sus canciones, en la destaca la telecaster  de Víctor Sánchez. Para algunos quizás le falte la fuerza de antaño (como comentaban los hermanos Andújar en el post,”los Cero sonaban más contundentes, con aquellos cabezales Marshall que llevaban”…), pero nos encontramos ante  la madurez del  artista, donde la fuerza deja paso a la elegancia.

Si lo que quieres es descargar tu exceso de adrenalina, mejor que te quedes en casa. Si te apetece escuchar como rima sus versos el poeta, ver a Lapido en directo será todo un acierto. 

Haz click en el enlace para ver los próximos conciertos de la gira de José Ignacio Lapido

http://www.entradas.com/entradas/comprar-entradas-lapido?gclid=CJ3rh-mGvboCFbIPtAodgC4AAA

LAPIDO: EL POETA ELÉCTRICO

"El secreto de conseguir la canción perfecta no se consigue nunca, o por lo menos nunca crees tener la llave, porque  una vez conseguida la perfección ya sólo te queda la decadencia…" 

Texto: Félix Cárdenas

Fotos: Jorge del Águila

José Ignacio Lapido lleva 30 años haciendo grandes canciones. Y aunque no llene estadios ni tenga una habitación atestada de discos de oro, sus letras forman parte de la mejor historia del pop y el rock hecho en español.

 En los años 80 y 90 del siglo XX formó parte de los legendarios 091, grupo de culto que ha influenciado a una infinidad de artistas que ahora gozan de un éxito masivo. Una especie de Bob Dylan a la española, con mucho más oficio que beneficio, un artista tejedor de sueños, un experto en la creación de mundos imaginarios y en encajarlos en unas canciones que llevan su sello de manera inconfundible. En unos  tiempos  donde la etiqueta parece ser más importante que el contenido, Lapido, sin ir de nada, demuestra ser  más intelectual que la mayoría de los que se hacen llamar intelectuales y más independiente  que la mayoría de los que se hacen llamar indies.

Son aproximadamente las 8 de la tarde de un Viernes  húmedo que, con más nubes que claros, parece ponerse en consonancia con el cancionero de nuestro protagonista. Nos encontramos con un tipo de aspecto serio pero cordial en las distancias cortas, que accede  a responder distendidamente a nuestras preguntas.

Nos presenta esta noche en La Gramola Formas De Matar El Tiempo, la cuarta colección de canciones desde que hace siete años nos presentara en Algeciras, en el salón de actos de la politécnica,  En Otro Tiempo, En Otro Lugar. ¿Cree que ya tiene su fórmula estandarizada de componer, o piensa que un artista debe estar siempre en constante evolución?

- El secreto de conseguir la canción perfecta no se consigue nunca, o por lo menos nunca crees tener la llave, porque  una vez conseguida la perfección ya sólo te queda la decadencia,…en nuestro imaginario colectivo tenemos como canciones perfectas las de gente como Bob Dylan, Leonard Cohen, los Beatles o The Who, pero yo creo que ni ellos mismos eran conscientes en el momento en el que las hicieron de haber alcanzado la perfección, que es a lo que se aspira en este oficio. En el caso de mi carrera como compositor, digamos que ha sido una evolución, una búsqueda de una voz propia, que es a lo que aspiramos todos los creadores, y creo que sigo en ese proceso, el de intentar superar la obra anterior. El estilo está ya asentado,  qué duda cabe, pero disco a disco siempre van surgiendo nuevos retos a nivel de arreglos con la banda, y nuevos matices.

En el nuevo disco llama la atención un cierto optimismo en las letras.  ¿Se trata de aceptación de uno mismo y de la realidad que le toca vivir, o realmente nos está lanzando un mensaje de esperanza?

- Antes cuando supuestamente las cosas iban bien a nivel social en el país se me tachaba de pesimista, de pájaro de mal agüero. Yo ya hablaba de colas del paro, de los excluidos de la sociedad en algunas canciones, y parecía que no estaba muy acorde con la burbuja en que vivíamos de prosperidad ficticia. Y en este caso, el disco surgió en todo el meollo del derrumbe social que estamos viviendo, y creo que era el momento de no quedarme apalancado en la resignación. Obviamente, ni antes era tan pesimista ni ahora soy tan optimista, creo que las nubes y los claros siempre nos acompañan, y que es bueno, en situaciones difíciles como la que vivimos, ver la luz al final del túnel.

Imagino que con el paso del tiempo, tras un amplio bagaje musical, se debe hacer más complicado seguir encontrando una motivación o cosas nuevas sobre las que escribir…

- Si, qué duda cabe, el hecho de haber grabado tantos discos y canciones, te estrecha el horizonte creativo. Además, no hay infinitos temas sobre los que hablar en las canciones de rock, pero  aun hablando de lo mismo, el oficio me sirve a mí para darle una vuelta de tuerca a la canción. Pero efectivamente, esa agonía de decir ¿qué hago ahora?, 30 años después, resulta bastante comprometido a la hora de escribir las letras de canciones nuevas.

"La inspiración es un concepto un poco romántico 

en el que yo no creo. 

La inspiración hay que buscarla, en ese aspecto 

soy más artesano que artista"

¿Es de los que esperan a que las musas le visiten, o de los que luchan contra el folio en blanco?

- La inspiración es un concepto un poco romántico en el que yo no creo. La inspiración hay que buscarla, en ese aspecto soy más artesano que artista, más de todos los días ponerme con la guitarra y el folio, ver lo que sale y desechar muchas cosas, porque muchas veces las ideas que te llegan son engañosas y te ciegan con su aparente brillantez. Es mejor dejarlas descansar y trabajar sobre ellas una vez que te das cuenta de que pueden servir.

¿Que te dice hoy día la palabra indie?

- Tengo mis dudas al respecto. Primero sobre el término tal y como se utiliza en España: para mí, la raíz de la palabra es independencia y, casualmente, la mayoría de los grupos punteros que llevan esa etiqueta graban para multinacionales, cosa que no es mala ni buena, yo mismo he trabajado con todo tipo de compañías y sé que el eje de su funcionamiento es la rentabilidad. De cualquier modo, pienso que por ética, estos grupos deberían rechazar ser catalogados como indies. Luego, como etiqueta estilística, prima mucho el pop electrónico o el naif, estilos que a mí no me resultan muy atractivos, pero bueno, eso es lo que la gente más joven demanda y hay que aceptarlo. Yo, más que independiente, me considero autogestionario, puesto que no grabo con una compañía independiente,  autogestiono  mi carrera en todos los sentidos…

Eso realmente es el indie…

-Si, en ese caso sería yo el más indie del mundo (risas), pero no quiero caer en la trampa de la etiqueta .

Ayer murió Manolo Escobar. En los telediarios nos lo definían como el reflejo de la España de postguerra. ¿Qué respuesta encuentra hoy la sociedad española en la música? ¿Qué músicos citaría como reflejo de la España que vivimos?

- Difícil me lo pones,… evidentemente en aquella época España estuvo copada de artistas de raíz folclórica, y el rock ha dejado escasísimas figuras que hayan tenido esa amplitud de público…si me apuras, en la historia del rock español, citaría a Miguel Ríos como una figura de ese calibre, como artista que ha influido en varias generaciones. Desde hace años, el rock ha perdido la influencia cultural y social que tuvo en los años 60 y 70 en países como EEUU, Francia o Inglaterra, cuando verdaderamente era una voz generacional  y representaba una toma de conciencia social de la juventud. A nivel de costumbres culturales o sexuales, creo que el rock tuvo algo que decir en el cambio tan abismal que hubo, si te fijas en cómo era la juventud pre rock and roll antes de los años 50 y lo que  se desarrolló luego. En España eso nos pilló tarde, nosotros veníamos de una dictadura, y a principios de los años 80 hubo una eclosión  que duró toda esa década, pero después ha quedado todo otra vez en el underground,  y no sabría decirte una figura de ese nivel ahora mismo que pudiese representar a la colectividad. Ahora está todo muy disperso, hay muchos movimientos  y no hay esa conciencia unitaria que había antes.

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